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jueves, 24 de septiembre de 2026

Jaime Correas: Borges y Mendoza en un laberinto interminable

 

Jorge Luis Borges

                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                


 
Aquí. Hoy

Ya somos el olvido que seremos.
El polvo elemental que nos ignora
y que fue el rojo Adán y que es ahora
todos los hombres y que no veremos.
Ya somos en la tumba las dos fechas
del principio y del término, la caja,
la obscena corrupción y la mortaja,
los ritos de la muerte y las endechas.
No soy el insensato que se aferra
al mágico sonido de su nombre;
pienso con esperanza en aquel hombre
que no sabrá que fui sobre la tierra.
Bajo el indiferente azul del cielo
esta meditación es un consuelo. 

Borges no podía imaginar que el soneto que había dejado correr aparecería en el bolsillo de un hombre asesinado en Medellín. Héctor Abad Gómez era un reconocido médico y defensor de los derechos humanos, decano de la facultad de Medicina. Después de que los sicarios paramilitares lo mataran a balazos el 25 de agosto de 1987, cuando su hijo llegó a donde yacía el cadáver en la calle Argentina rescató del bolsillo de la camisa dos papeles. Uno era la hoja con la condena a muerte de veinte personas, de las cuales diecisiete fueron ejecutadas. Pero también encontró ese soneto firmado al pie J.L.B. Luego, no sólo escribió una nota periodística reproduciendo el poema sino que lo hizo tallar en la lápida con la firma de Borges.

Casi veinte años después, en 2006, Héctor Abad Faciolince publicó un libro extraordinario sobre su padre titulado “El olvido que seremos”. Rápidamente se transformó en un suceso de lectores en Colombia y las ediciones se sucedieron. Inesperadamente, en 2007 apareció el estrambótico poeta Harold Alvarado Tenorio y le aseguró a Héctor que el poema no era de Borges, que lo había escrito él. Herido por la posibilidad de haber caído en una trampa, inició una pesquisa desesperada. Pero no tardó en encontrar inconsistencias en la versión del extravagante personaje. Al final Alvarado Tenorio, acorralado, le confesó: “Es cierto, yo no escribí el poema, lo escribió un tal Jaime Correas que vive en Mendoza, pero no quiere oír hablar del tema”. Fue así que Héctor me llamó por teléfono desde Berlín la tarde del 12 de agosto de 2007. Empezó diciendo: “No quiero que usted piense que yo estoy loco”. Y luego a borbotones desarrolló una historia increíble, cuyo origen remoto yo reconocí de inmediato hundido en mi memoria de estudiante de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional de Cuyo a fines de los 80. En medio de la agitación de su detallado y pertubador monólogo, lleno de violencia y engaños, se detuvo y me preguntó inquisitivo: “¿Usted escribió el soneto?” Lo alivié parcialmente: “No, el soneto es de Borges y lo publicamos junto a un grupo de compañeros de estudios con otros cuatro más, todos inéditos”. Casi sin dejarme terminar volvió a la carga: “¿Me lo asegura? Después de lo que está pasando ya no creo en nada, ni en nadie y para mí es muy importante conocer la verdad”. “Sí, créame, han pasado veinte años, pero reconocí de inmediato el verso que me citó: ya somos el olvido que seremos”. “¿Me ayudaría a demostrarlo?”, contraatacó. “Por supuesto”, respondí seco casi sin pensarlo. 

Recuerdo esos quince días posteriores al llamado como los más excitantes de mi vida intelectual. Iban y venían mails con detalles, novedades, suposiciones, pistas falsas y ciertas, personajes increíbles que entraban a los archivos clasificados de la inteligencia estadounidense o rastreaban los datos más insólitos, poetas de toda laya, víctimas y desencantados. Mi existencia comenzó a girar alrededor de la obsesión de aquel hombre salido de las sombras y ya no pude escaparme. 
La historia que nos tenía por protagonistas a Héctor Abad Faciolince y a mí parecía urdida por una mente generadora de ficción. Como la de Borges. Sin embargo, todos los detalles de lo que semejaba una novela eran totalmente reales.

Aquellos cinco sonetos inéditos nos habían llegado a través de un amigo de uno de nosotros que los había recibido a su vez de su amiga Franca Beer, que estaba casada con el pintor Guillermo Roux. Borges le había entregado los textos a ella. Se los había prometidos a un poeta francés para acompañar una entrevista que le había hecho en su departamento de la calle Maipú, mientras Roux lo dibujaba. La travesura hecha por Borges dio lugar a un largo hilo de Ariadna que lo volvió a traer a Mendoza de un modo inaudito.

En 1983 yo había conversado con él durante una mañana de sábado en la Galería del Este de Buenos Aires, a pocos metros del departamento de donde habían salido los sonetos. Iba a la Librería de la Ciudad a sentarse para conversar al azar con algún parroquiano. Un tío mío pidió a los encargados que me presentaran y fue así como me senté frente a Borges. Como le habían dicho que venía de Mendoza, se interesó en saber cómo estaban las acequias. Y de inmediato aparecieron recuerdos personales de interés hoy para nosotros: “Imagínese, -me dijo- yo, un hombre tan injustamente premiado, todavía sigo teniendo en primer lugar de mis preferencias el doctorado que me dieron en esa casi secreta Universidad de Cuyo. Fue el primero”. Pronto casi prescindió de mí para hilvanar sus propias perplejidades sobre la China y los elefantes, hasta que casi sin quererlo lo interrumpí para preguntarle por el gusto del ajenjo. Sin inmutarse, me informó: “Tiene un dejo a la menta, al hinojo. Pero, ¿por qué me pregunta eso?”. Le conté que estaba leyendo “Bajo el volcán”, la novela de Malcolm Lowry, y que el protagonista iba de borrachera en borrachera tomando ajenjo. “Me han hablado de ese libro, ¿a usted qué le parece?” Era su primer pedido de opinión y atropellándome las palabras le respondí que me gustaba bastante, pero que me aburría un poco. Borges se inquietó y con un amable enojo, como si lo hubiera ofendido, me amonestó: “Usted está muy equivocado, eso no puede ser, el único deber inexcusable de una novela es entretener al lector”. Fue el fin de nuestra conversación. Con cortesía sugirió que había llegado la hora de ir a almorzar. Pidió que lo acompañaran y se fue. Nunca terminé de leer “Bajo el volcán”, pero aprendí la mejor lección de mi vida de lector: una novela debe ante todo entretener al lector.

Con ese antecedente, cuando nos llegaron los poemas inéditos, imaginamos contactarlo y pedirle autorización para publicarlos con un prólogo suyo. Hacíamos unas antologías de poesías anónimas con nuestros propios poemas. Conjeturamos, con entusiasmo juvenil, que nuestro sello Ediciones Anónimos le simpatizaría. Pero los hechos se aceleraron y Borges murió en Suiza. 

Hicimos dos acciones en su homenaje. La primera fue iniciar la entrega de “Poesía Anónima 4” con la dedicatoria “A Jorge Luis Borges, in memoriam”, bajo un texto de una entrevista que le habían hecho en la Universidad de Indiana. Allí se leen otras de sus inolvidables lecciones: “Yo no prefiero una cosa en detrimento de otra. Amo a todos los países y a todos los escritores que he leído (y hay muchos que nunca he leído y que sin embargo me han influenciado). Soy discípulo del pasado, de todo el pasado. No creo en las escuelas. No creo en las cronologías. No creo en la necesidad de fechar los escritos. Pienso que la poesía debería ser anónima. Por ejemplo, si pudiera elegir, desearía que alguno de mis poemas, alguna de mis historias, sean reescritos y mejorados por otro para que perduren y que mi nombre sea olvidado, como lo será con el tiempo. Tal es el destino de todos los escritores.” Esa declaración parecía hecha a medida de nuestra aventura poética. 

La segunda forma de homenaje fue publicar sus inéditos en nuestros libritos. Para esa edición, sin valor comercial, hice una breve introducción fechada en Mendoza el 13 de noviembre de 1986. Está encabezada por una cita de T. S. Eliot, también premonitoria: “And all is always now”. Un verso que seguro le agradaba. Allí escribí: “Cuando este conjunto de poemas llegó a nuestras manos no era imposible suponer la inmortalidad del poeta. A principios de 1986 estos versos aparecieron mágicamente con la novedad de ser inéditos (al menos en libro). La idea inicial era comunicarse con Borges y pedir su autorización para publicarlos en una edición como la presente, pocos ejemplares y una distribución casi mano a mano.

“Los primeros meses de 1986 transcurrieron rápidamente, el establecimiento de Borges en Ginebra y luego su fallecimiento hicieron imposible el proyecto.

“La noticia, llegada por teléfono, fue una tranquila tristeza: ‘debemos entrar en la muerte como quien entra en una fiesta’ había escrito en uno de los poemas de Los conjurados, su último libro. Sus fechas quedaron fijadas: 1899-1986.

“Lo sucedido confirmaba que un poeta vivo no es igual a uno muerto. Siempre, frente a la poesía, existe la afirmación de un hombre vivo. Un extraño ser que en algún lugar está soñando.

“Borges nos regaló el placer de la lectura. Ahora es ya una ausencia, una sombra en el tiempo, es un nombre, unas fechas y unos textos, también algunas noches, el amor y tanto asombro. Queda una mañana compartida, una amable conversación y la extraña sensación de que no existe el olvido”.

La clave de la difusión del soneto que llegó al asesinado en Medellín estuvo en que enviamos aquella publicación a varios poetas importantes de los que teníamos las direcciones postales: Octavio Paz, Roberto Juarroz y José Emilio Pacheco, entre otros. Los poemas salieron en la prensa más prestigiosa mexicana y española. Los ecos de esas publicaciones llegaron a la revista colombiana Semana y el padre de Héctor los leyó como una suerte de poético testamento.

De toda aquella experiencia resultaron no sólo el maravilloso libro “El olvido que seremos” de Héctor Abad Faciolince, al que Mario Vargas Llosa catalogó en 2010 como “la más apasionante experiencia de lector de mis últimos años”, sino su largo texto “Un poema en el bolsillo”, donde cuenta con amorosos detalles, fotos y mapas nuestra aventura conjunta. Forma parte de su libro “Traiciones de la memoria” de 2009. Y, también, mi novela “Los falsificadores de Borges” de 2011.

Quizás lo que acabo de contar sea uno de los últimos ecos resonantes de la relación de Borges con Mendoza hasta estas jornadas magníficas que estamos viviendo, en las cuales nuestro poeta vuelve a imponerse a nosotros con su presencia. 

Vale la pena entonces repasar algunas otras visitas suyas. Borges inició su contacto con la Universidad Nacional de Cuyo en 1940. Edmundo Correas, rector fundador un año antes, rememoró que se lo recomendaron cuando estaba en la organización. Se reunió con el posible postulante en el City Hotel de Buenos Aires y le ofreció $300 para encargarse de la cátedra de Literatura Española. La respuesta fue: “Es mucho, porque aquí solamente gano $180 en una biblioteca municipal, pero no puedo aceptar, no soy catedrático, no sé hablar, apenas escribo algunas cosas insignificantes”. Correas insistió, incluso agregó el ofrecimiento de la cátedra de Literatura Hispanoamericana para hacer más tentadora la oferta, pero Borges se mantuvo firme y replicó que, con seguridad, los alumnos lo silbarían. Correas no se dio por vencido y le ofreció hacer el ensayo de viajar a Mendoza y disertar sobre un tema que él eligiera. Borges le confesó que no conocía la provincia y ante el ofrecimiento de pasaje en avión o en ferrocarril, medio que le sugirió el rector, deslizó con sello inconfundible: “Creo -respondió sonriente- que el paisaje no es muy variado: unas veces se ven cuatro vacas y un caballo y otras veces, son cuatro caballos y una vaca”.

Dieciséis años después, siendo ya un notable conferenciante, viajó a Mendoza acompañado de su madre, doña Leonor Acevedo. Venía a recibir el tan mentado doctorado honoris causa.

Hace años mi maestra Emilia de Zuleta, ante mi interés por saber de aquel hecho que aparecía en la solapa de la edición verde de Obras Completas de Emecé, en las que tantos hemos leído a Borges, me entregó una nota manuscrita con su firma. Me aseguró que algún día sería historia y que quería dejármelo para que yo lo transmitiera: “Fue Félix ‘Grillo’ della Paolera quien sugirió la idea de conceder el doctorado ‘honoris causa’ a Borges. Amigo desde su juventud en Adrogué, fue también él quien le presentó a un talentoso boliviano, Marcial Tamayo, y a Adolfo Ruiz Díaz, quienes en colaboración escribirían Borges, enigma y clave.

“Borges siempre recordó ese primer Doctorado y dejó amigos en Mendoza adonde volvió en diversas ocasiones acompañado por su madre Doña Leonor Acevedo y posteriormente, por su primera esposa Elsa Astete Millán.

“El acto de la concesión de este Doctorado, para ser comprendido en su significación plena, debe ser situado en su contexto; se trataba de una reivindicación del escritor perseguido por el peronismo en el ciclo abierto por la Revolución Libertadora.”

El propio Della Paolera en 1999 en el diario La Nación dio una explicación política clave: “En 1956, un grupo de izquierda, con el argumento de que Borges no tenía un título universitario, quiso que le sacasen la cátedra de literatura inglesa. Yo conocía al decano de la Facultad de Filosofía, y le conté el caso. Lo nombraron entonces doctor honoris causa de la Universidad, y quedó habilitado para enseñar donde quisiera.”
Otro dato también importante es que fue “Grillo” quien le presentó a Borges a Marcial Tamayo y a Adolfo Ruiz Díaz, coautores de Borges, enigma y clave. El libro apareció el 11 de marzo de 1955, cuando todavía el futuro de Perón era incierto y publicar un libro sobre Borges no era lo más prometedor para un intelectual. Sigue siendo uno de los mejores libros sobre ciertos textos borgeanos. Se lo puede leer con admiración por su prosa y por la solidez de sus análisis que no han envejecido. Rodolfo Modern ha escrito que la participación de Tamayo fue “más que nada, de carácter simbólico”.

La figura de Ruiz Díaz, injustamente olvidada, toma vuelo en su relación con Borges. Adolfo fue un maestro clave para muchos de los que pasamos por sus cátedras. Tuve la suerte de cursar Introducción a la Literatura y Estética con él, además del seminario de licenciatura. Desplegaba con sus alumnos el encanto inigualable de su personalidad inteligente, seductora, cómplice. Es enorme nuestra deuda con él. No sólo por sus clases y su extraordinario libro, sino también por sus muchos artículos, varios de los cuales conservo dedicados. Son el testimonio de aquellas largas charlas en la facultad o en su estudio del callejón Delgado.

Amalia Ugo, esposa de Ruiz Díaz, fue testigo privilegiada de varios capítulos de esa larga amistad y contó: “Borges llegó a Mendoza en tren, en compañía de su madre, Leonor Acevedo. Esa mañana lo esperábamos, junto a varios escritores locales, en la estación San Martín.

-¡Maestro!- le dijeron. Y tras los saludos, le preguntaron qué estaba escribiendo.

-En el tren era difícil dictarle a madre -dijo-; pero he pensado algunas coplas, esas que parecen de todos y que ya debieran estar escritas.
Le rogaron que recitara alguna y Borges primero separó suavemente a su madre diciéndole: ‘Vaya para allá, madre, por favor’. Entonces dijo:

‘Hay en medio de la plaza 
del pueblo de Pehuajó
un letrerito que dice
la puta que te parió.”

Las risas distendieron los ánimos y se produjo el acercamiento cordial que quedaba trunco frente a Borges, debido a su respetada y temida intelectualidad. De allí -continúa Amalia- fuimos al Instituto de Lenguas y Literaturas Modernas en calle 9 de Julio. Dos alumnas buscaban algo en el fichero y al volverse, vieron a Borges. -¡Profesor Borges! -exclamaron efusivas y emocionadas. Al atardecer, realizaron el acto académico en el Decanato de la Facultad de Filosofía y Letras. Tras la parte protocolar, Borges agradeció: Hoy por la mañana, unos colegas que fueron a recibirme a la estación, me dijeron ¡Maestro! Y yo no soy maestro. Después, en el Instituto de Ruiz Díaz, unas alumnas me dijeron: ¡Profesor! Y yo no soy profesor. Y ahora me dan una mención universitaria. ¡Qué carrera rápida que he hecho! Voy a decirle a mis amigos que no pierdan el tiempo en Buenos Aires y que se vengan sin tardanza a Mendoza.”

Seguir la cobertura del diario Los Andes de aquellas jornadas nos revela una clave esencial de una relación que duró años. El sábado 28 de abril se publicó una extensa entrevista hecha por Antonio Di Benedetto. Meses más tarde daría a conocer su obra mayor, la novela “Zama”. Era un joven de 34 años, que luego de aquel encuentro fue invitado por Borges en 1958 a la Biblioteca Nacional a hablar nada menos que de literatura fantástica.
He registrado algunas otras visitas de Borges a Mendoza. En 1965 le hizo una larga entrevista en Los Andes Rodolfo Bracelli que se tituló, quizás con ironía dibedenettiana, “Un reportaje-novela a Jorge L. Borges”. Esa nota fue el germen del famoso libro“Don Borges, saque su cuchillo porque he venido a matarlo” publicado por Galerna en 1979. 

También es interesante y está muy bien cubierta en Los Andes la visita de julio de 1969. Borges dio dos conferencias: “La pintura y las letras” y “El compadrito”. Vino acompañado de Elsa Astete Millán, fallida esposa de la que se separaría al año siguiente.

Queda pendiente una minuciosa pesquisa sobre los viajes de Borges a San Rafael, a la casona de Los Álamos, donde lo recibía su amiga Susana Bombal, tía de nuestro añorado Camilo, hacedor del laberinto y de sus hermanos, nuestros amigos Caro y Nacho, dos titanes en la conservación y difusión de ese legado que por la vía de su hermano les viene de Susana, quien, como sentenció Borges, con precisión:

Está donde haya música, en el leve 
azul, en el hexámetro del griego, 
en nuestras soledades que la buscan, 
en el espejo de agua de la fuente, 
en el mármol de tiempo, en una espada, 
en la serenidad de una terraza 
que divisa ponientes y jardines.
   
Para terminar este recorrido quiero que juntos veamos una imagen que encontré hace años de casualidad y que tiene un detalle que hoy, en el contexto de este encuentro, adquiere especial significado. No he podido encontrar esa foto en ningún otro lugar, salvo en la tapa del suplemento Primer Plano del diario Página/12 del domingo 25 de febrero de 1995. Allí se ve a un Borges anciano, sentado en su austera cama de hierro, en su habitación. Hay un tigre de porcelana. He leído que era azul y sobre la cabeza del felino pende un diploma, sin marco, que se puede imaginar apenas detrás de un vidrio. El escudo es inconfundible, es el de la Universidad Nacional de Cuyo, tan caro a quienes pasamos por ella, con el cóndor y la inscripción en el libro “In spiritus remigio vita”, felizmente traducido “en el espíritu aletea la vida”. He atesorado ese suplemento entre cientos de diarios, porque comprendí que esa foto nos demuestra sin dudas que muchos años después de aquel doctorado de 1956 Borges lo seguía teniendo entre sus recuerdos más preciados, tal como me confesó. Mientras terminaba estas palabras lo busqué porque, como otras veces, estaba traspapelado. Lo encontré, por suerte. Viendo la imagen, sentí la felicidad de volver a comprobar que el amor de Borges por esa casi secreta universidad a la que tantos le debemos tanto no era una construcción falsa de mi memoria sino una realidad inobjetable.

Borges: Jornadas, San Rafael, Mendoza, 2025.
                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                


JAIME CORREAS (Mendoza, 1961) Escritor y periodista. Licenciado y profesor en Letras de la UNCuyo. Publicó las novelas “Los falsificadores de Borges” (Alfaguara, 2011) y “Fraile Aldao” (Marea, 2022) y los ensayos “Cortázar en Mendoza. Un encuentro crucial” (Alfaguara, 2014), premio de Ensayo de la Academia Argentina de Letras (2015), y “Roberto Juarroz: la palabra necesaria. Creación y realidad en la Poesía Vertical” (libros de piedra infinita, 2025). Editó “Piedra Infinita” de Jorge Enrique Ramponi ilustrado por Carlos Alonso y traducido al inglés por Andrew Graham-Yooll (Bodega Zuccardi, 2016 y 2025). Ganó el Premio Konex de Edición Periodística (2007). Es miembro correspondiente de la Academia Argentina de Letras. Fue Director General de Escuelas de Mendoza de 2015 a 2019.


martes, 27 de enero de 2026

EDUARDO D’ANNA: HACIA LA CONSTRUCCIÓN DE UNA TRADICIÓN LITERARIA

 

Eduardo D'Anna
                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                        

En los últimos años se han publicado ediciones que buscan dar a conocer integralmente la obra varios escritores rosarinos. Comentamos aquí tres de ellas, dos oficiales y una realizada en forma particular.

En 2000, siendo Elvio E. Gandolfo director de publicaciones de la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Rosario, se dio a conocer la “Obra poética y otros textos” , de Arturo Fruttero, puesta al cuidado de Osvaldo Aguirre. El volumen incluye el único libro publicado en vida por Fruttero, “Hallazgo de la Roca”, prácticamente inhallable, y varios poemas posteriores inéditos cuya existencia era conocida, pero que no habían podido ser leídos hasta ahora por el público. Incluye también dos textos, uno inédito y otro de carácter biográfico, publicado pero también casi inaccesible; y ensayos, notas y correspondencia, casi toda inédita. Se sabe que no llegaron a recopilarse aquí otros poemas tardíos, algunos ensayos inéditos (sobre Pedrotti, por ejemplo), y sus traducciones de poetas ingleses y franceses. El trabajo de Aguirre es prolijo y documentado, pero temo que el autor trata de facilitarse la existencia cuando afirma que “la obra de Fruttero no tiene ninguna relación con la propuestas de la Generación del ‘40 -en la que se lo podría situar por cuestiones cronológicas- ni reconoce antecedentes ni seguidores”.
Sin embargo, si nos tomamos el trabajo de estudiar la literatura de Rosario como conjunto (ya veremos los problemas que le ocasiona a Aguirre el no hacerlo), observaremos que la obra de Fruttero no sólo  posee rasgos de la Generación del ‘40, sino también vanguardistas, ya que este último movimiento se despliega en nuestra ciudad recién a partir de 1941, es decir, simultáneamente con aquélla. Se verá también que en esto Fruttero no es ninguna excepción, ya que son varios los poetas rosarinos que en ese momento se debatían entre una y otra sensibilidad, sin decidirse claramente por ninguna. El que sí adopta una línea original, porque escribe diez años antes y se las arregla para ajustar las cuentas con el modernismo él solo, es Fausto Hernández, pero Aguirre parece desconocer su existencia.
En noviembre de 2001 debía aparecer la “Obra poética y otros textos”, de Felipe Aldana, también editado por la Municipalidad, y en continuación de una política de difusión de los autores locales del pasado (está previsto también un libro con los poemas de Irma Peirano, en el que está trabajando Delia Crochet,  y sería la segunda vez que este organismo la edita). Para entonces Gandolfo había renunciado a su cargo, al parecer por razones personales (nunca se explicó). No habiendo ya incompatibilidad ética, y teniendo en cuenta que Gandolfo, según su propia confesión, “llegó a creer que la única forma de sobrevivir era la Municipalidad” (cfr. revista “Vasto Mundo” Nº 16, artículo ‘Rosarinien Kultur’), se vio, posiblemente, tentado de hacerse unos pesitos agregando un estudio suyo sobre el gran poeta, pese a que ya Aguirre se había encargado de prologar la edición, también a su cargo.
Desgraciadamente como ya dijimos, Aguirre es remiso a enfocar la literatura rosarina como conjunto, y en esta ocasión cometió el error de tomar como propios de Aldana unos quince poemas contenidos en un cuadernillo, sin mención de autor, existente entre sus papeles póstumos. El estilo y sobre todo su ideario poético son manifiestamente ajenos a Aldana, pero como Aguirre no sabe distinguir entre la poesía de los del ‘40, la vanguardista, y la de los que no tienen relación con una u otra, no supo descubrir que esas liras pertenecían a León Pérez, un amigo de Aldana que con el seudónimo de León Bet Amar, los publicó bajo el título común de “El mirador que se mira” en 1947, antes de emigrar a Venezuela.  
Aguirre se había abstenido de opinar específicamente sobre estos textos (al referirse a otros poemas también en algún momento dubitados, “Los poemas del gran río”, lo hace con responsabilidad y seriedad), pero Gandolfo, que cree tener muy calada la cultura de la ciudad, se hundió mucho más profundamente en el tembladeral: soltó bravíamente su intelecto, abundando en conclusiones como: “descubre el recurso último en él mismo”, “se asombra de la potencialidad de su boca”, “aparece un arrepentimiento, esta vez en retroceso hacia la emoción”, todo citando los poemas de Pérez. Claro está que a un vanguardista como Aldana, preocupado permanentemente en representar el mundo exterior, no podía caberle descubrir el último recurso en él mismo (si Aldana viviera, a Gandolfo lo mata, él que postulaba que la única forma de redención era la revolución de los hombres contra la injusticia), ni se asombraría de la potencialidad de su boca, que era justamente lo que él quería poseer. Pérez sí es un poeta del ‘40, como Irma Peirano, que elaboró la solapa de su libro, sosteniendo que un poeta no debe caer en “el rebuscamiento vano” ni “la palabra inútil”, o sea, quizás, en aquello que Aldana y los vanguardistas buscaban (y conseguían). “Búsqueda”, poema de Pérez, no “parece simbolizar la estética misma de Aldana”, como afirma patéticamente Gandolfo, sino, desde luego, la de Pérez.
Cuando la gente de la Municipalidad se dio cuenta, el libro ya estaba impreso, encuadernado, y por presentarse. Hubo que suspender todo. Con perseverancia casi oriental, Pedro Cantini, el nuevo director, hizo eliminar el artículo y los apócrifos, corrió de lugar algunas prosas que venían incluidas,  y rearmó de nuevo el volumen, que finalmente vio la luz un año después  (conserva, no obstante, el pie de imprenta anterior). Fueron sacrificados media docena de poemas y varias prosas sobre temas literarios, algunas de las cuales ya habían aparecido en la edición de 1977. Varias incoherencias en el aparato crítico no pudieron suprimirse.
Más allá de todo lo apuntado, no puede sino considerarse positivo la aparición de estos dos libros, que permiten conocer en amplitud dos poéticas indispensables para quien se adentre en la literatura de Rosario. En ese mismo sentido, “Palabras a mano” , tomo primero de los poemas escogidos de Hugo Diz, publicado en agosto de 2003 por Ciudad Gótica, una editorial rosarina que viene realizando un trabajo importante de difusión de autores locales con una calidad tipográfica y artística razonables, viene también a llenar una necesidad indiscutible: la poesía de Diz, como la de todos los poetas de su generación, es prácticamente inhallable para el lector que no hubiera tenido oportunidad de hacerse de los respectivos libros en el momento de su aparición, que para el caso se extiende por un período que va desde 1969 hasta 1983.
Pero las características de esta reedición plantean otro tipo de problema: tal como viene indicado desde el título, Diz no ha republicado todos sus poemas de este período, ha  practicado  una  selección, lo que equivale a una modificación indirecta de los textos elegidos, por creación de un nuevo corpus.  Además,  también  ha introducido  variantes  de  importancia.
El derecho del poeta a modificar sus versiones una vez que han sido publicadas ha generado buena cantidad de tinta. Es bien conocida la posición de Borges al respecto, a quien pareció ridículo que la publicación de un texto limite la posibilidad de corrección a su autor, cuando antes de ello la misma facultad no tiene límite alguno. ¿En qué cambia las cosas el hecho de dar a publicidad el texto?, se preguntaba. Pero el problema debe ser planteado en otro nivel. No se trata de que corresponda o no corregir textos ya conocidos del público, sino del intervalo temporal que media entre la publicación de la versión original y la corregida.
Diz ya había reeditado en 1976 sus tres primeros libros (“El amor dejado en las esquinas”, -título que desapareció ya entonces-, “Poemas insurrectos”, y “Algunas críticas y otros homenajes” -que pasó a ser “Algunas críticas, otros homenajes”-), oportunidad en que efectuó correcciones, pero ellas estaban aún dentro del clima espiritual que generó las primeras versiones. Hoy, por el contrario, transcurridos más de treinta años, la visión del poeta es demasiado diferente para soportar algo más que ligeros retoques. El resultado es que tenemos prácticamente un lote de poemas nuevos, y buena parte del público continuará desconociendo los poemas viejos.
Ello ocurre asimismo, aunque de manera menos evidente, en los libros que se recopilan a continuación de aquéllos. No podemos en este caso sostener que se trate de poemas “nuevos”, pero la nueva escritura respeta poco aquella original anfibiología y los inesperados barbarismos que caracterizaban al primer Diz. Proporcionemos un ejemplo: en ese memorable poema que es “Secuencias de mayo”, Diz había escrito al describir el asesinato de Bello, “dispara por disparar/tira por valentía”. Ahora, con el pudor que le da la experiencia y el oficio, Diz anota: “tira por cobardía”. Antes se generaba una oscuridad semántica molesta, que sugería magistralmente la complejidad de los hechos. Ahora, se consigna una obviedad.
Otras correcciones son inanes, y algunas, acertadas, por qué no. Pero queda sin entenderse demasiado el por qué de alterar una obra bien sólida, que aunque ya conlleva claro está cierta marca del tiempo, sale en lo general perfectamente airosa de ella.
En cualquier caso, no debe entenderse lo dicho como que el libro no valga la pena de leerse. Todo él, pese a todo, trasciende la personalísima impronta de esta lírica, una de las más importantes, no sólo de Rosario, sino de Hispanoamérica. Pero los eruditos, con tantas variantes, tendrán su buen trabajo cuando sea necesario contar con una lectura organizada. El estudio preliminar de Martín Prieto es suscitante. Hacía falta alguien de otra edad y otro lugar de la poesía, que se ocupara de la obra de Diz.
                                                                                                                                                                                                                                [Publicado en la revista Poesía de Rosario N.º 12, Rosario, 2003].
                                                                                                                                                                                                              Eduardo D’Anna (Rosario, 1947)  Poeta, narrador y ensayista.




viernes, 4 de octubre de 2024

DEMIAN PAREDES, NOVEDAD EDITORIAL

 
                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                          Demian Paredes: “Notícias da Literatura. Artigos e ensaios”



- Ebook disponible en Amazon: https://a.co/d/0gApzbR

Demian Paredes: “Notícias da Literatura. Artigos e ensaios”
Organização e prólogo: Ana Maria Haddad Baptista
Tradução: Rodrigo Albuquerque Sá Meneze

- También en castellano: “Noticias de la literatura. Artículos y ensayos”: https://a.co/d/6rD6CKi


ÍNDICE
Prólogo: Alguns parâmetros sobre os ensaios de Demian Paredes (Ana Maria Haddad Baptista)

Literatura e Ditadura
Visões e versões da ditadura: livros e temas
Com sombras de palavras: poesia e ditadura
Discurso de apresentação do romance Yo San Tucho, de Marcos Rosenzvaig

México lindo e querido
Leitura + escrita = as (per)versões de Margo Glantz
Dez anos sem Carlos Monsiváis

Escritores de língua alemã
Hermann Hesse: a vida boêmia
Robert Musil: o anseio
Nas alturas, de Thomas Bernhard
A propósito de Heldenplatz, de Thomas Bernhard
Uma nova antologia poética de Paul Celan

Animalia
Picam, picam…

Um elogio à desmesura (literária)
Alberto Laiseca: cinco anos sem ‘el Monstruo’
Anexo: mini-léxico-Laiseca

Sobre os textos selecionados
Demian Paredes por si mesmo

domingo, 19 de mayo de 2024

Raúl Henao: EL SURREALISMO, AFINIDADES ELECTIVAS

                                                                                                                                                                               
Raúl Henao

 
                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                          
                                                                                                                                                                                                                                        

He dicho en ocasiones anteriores que mi relación con el surrealismo fue siempre del orden de las afinidades electivas. En lo personal, yo no me he autocalificado nunca de surrealista y no creo serlo del modo comúnmente aceptado, porque la vía de creación de mi poesía no ha sido de manera exclusiva la escritura automática, el dictado mediúmnico o  el desorden de los sentidos rimbaudiano… Sino la búsqueda del conocimiento por el amor o del amor por el conocimiento…  Y la  iluminación o despertar repentino que nos sobreviene, cuando se vive día tras día la realidad tragicómica de la vida cotidiana.                                                                                            
A mediados de la década del sesenta tuve la oportunidad de conocer - a través de las traducciones que hizo el poeta español Agustín Bartra para la editorial mexicana Joaquín Mortíz-  la obra en prosa poética de Andre Breton :  Los Vasos Comunicantes, Nadja, El Amor loco,  que releo con cierta periodicidad sin que pierda para mi nada de su encanto  o magia  inicial…Y que sumada a la emblemática  Antología de la Poesía Surrealista de Lengua Francesa, recopilación del  poeta  argentino Aldo Pellegrini,  constituyen mi primera incursión en el surrealismo:  una presencia o aventura del espíritu, como en su momento. lo señaló Maurice Blanchot   -y no una escuela o corriente literaria y artística del período de entreguerras-   donde el pensamiento académico ha pretendido encasillarlo, entre otros movimientos vanguardistas de comienzos del siglo veinte, para minimizarlo, claro está.                                                                                                                                                                                                 
Vienen luego  las coincidencias y los encuentros al azar o de orden irracional  que me sobrevienen a partir  de la publicación  de mi primer libro, Combate del Carnaval y la Cuaresma  ( título tomado  de una pintura de Brughel el Viejo)   cuando al enviarle un ejemplar al poeta trashumante chileno Alberto Baeza Flores, radicado por entonces en la Republica Dominicana, este me comenta  a vuelta de correo, que  encuentra en el humor y la imaginería de mi poesía,  una afinidad con la del  movimiento surrealista de comienzos del  pasado siglo, sugiriéndome a renglón seguido, el envío de mi libro al escritor y poeta rumano Stefan Baciu, profesor de la Universidad de Hawaii  en Honolulu y  autor de una sustancial  Antología de la Poesía Surrealista Latinoamericana  (dos ediciones en Mèxico y Chile. )… Envío que procedí a realizar, manteniendo desde ese momento, una correspondencia  de más de veinte años con el profesor rumano,  hasta su muerte ocurrida a comienzos de 1993,  en cuyo entreacto,  por intercesión suya, pude conocer y  cartearme con poetas de la importancia de Enrique Gámez Correa (fundador de  Mandrágora,  movimiento poético surrealista chileno,  o Ludwig Zeller,  quizás, el último de los grandes poetas surrealistas de ese mismo país, fallecido apenas hace cuatro años… Eso entre otros poetas iberoamericanos relacionado de manera directa o indirecta con el movimiento de André Breton.                                                                                                                                                              
Por esos años buscaba escapar del ambiente parroquial y chovinista de la Medellín de los años 60 y 70… Ciudad con la que he venido librando desde entonces  una  relación de  amor-odio ininterrumpida…  Y a mitad de esa primera década, consigo escapar a los EE UU.  Viaje que me permitió conocer -en la compañía de un mexicano nòmade que conociera por casualidad en el  Greenwich Village newyorkino-  la mayor parte de las ciudades en la ruta que va de New York a San Francisco, ciudades donde se respiraba por aquellos años el aire saludable de esa mìtica contracultura norteamericana que consiguiera parar la guerra de Vietnam. Para regresarme pasado un año largo a Colombia, por las dificultades que tuve para cambiar la visa de turista a una de residente… Pero más adelante, el año 1974, por intercesión  de unos amigos poetas, fui invitado a realizar una lectura de mi poesía en la Universidad de Los Andes de Mérida, Venezuela  y  concluido dicho evento en el país vecino, en lugar de volverme a Medellín,  viajé a Caracas, la capital venezolana,  que por aquellos años  revestía  para mí  un interés cultural mayor al de la misma Bogotá, y estando allí,  permanecí varios meses… regresando  a ella en repetidas  oportunidades a lo largo de las últimas décadas del siglo pasado.                                                                                                                                                            
Me había carteado con anterioridad   -enviándole igualmente mi primer libro- con el poeta y crítico de arte Juan Calzadilla, uno de los fundadores del movimiento vanguardista El Techo de la Ballena -muy influido por el arte y la poesía surrealista- y tuve entonces la ocasión de conocerlo personalmente. A Calzadilla me unió desde esos años una estrecha amistad que me facilitó el acceso al medio cultural del hermano país que por entonces contaba con poetas e intelectuales de la dimensión e importancia de Vicente Gerbasi, Juan Liscano, Juan Sánchez Peláez,  Rafael Cadenas, Ramón Palomares, Eugenio Montejo, Denzil Romero, Elisio Jiménez Sierra, Carlos Contramaestre, Ludovico Silva, José Balza, Ednodio Quintero y otros más,  a quienes llegué  a conocer y frecuentar con regularidad.                                                                                                                                                                                                          
Pero como el tema de presente texto es el de mis afinidades electivas surrealistas, resulta de obligado interés mencionar, entre los escritores de esta tendencia que la amistad con Calzadilla me permitió conocer-  al poeta Juan Antonio Vasco del grupo surrealista argentino de Aldo Pellegrini,  Vasco había vivido en Venezuela y pertenecido al Techo de la Ballena, pero cuando Calzadilla, me facilitó su contacto postal vibrante y sostenido por varios años,  había regresado a Buenos Aires donde se hallaba reducido a la inmovilidad, afectado por una esclerosis múltiple maligna que en poco tiempo acabó con su vida…                                                                                                                                                        
Y al pintor inglès Philip West, perteneciente al grupo surrealista  TransformaCtion de Londres… West hablaba un castellano muy completo, quizás porque estaba  casado con una atractiva española de Zaragoza, ciudad en la que residió una larga temporada, viniendo a parar finalmente a Venezuela.  Calzadilla me lo presentó una tarde caraqueña y desde ese instante nos unió una amistad estrecha y fraternal. El año 1981 le aceptaría una invitación a pasar algunas semanas en su apartamento de la Avenida Urdaneta… en cuya biblioteca personal pude iniciarme en muchos de los secretos del arte y la pintura surrealista. Era un artista y poeta nato, aparte de un ser humano excepcional… que moriría de manera temprana, a mitad de la década del 90, en la misma ciudad española, a la que había regresado y donde se había casado por segunda vez.                                                                                                         
Estos encuentros propiciados a todas luces por la magia y el azar objetivo surrealista, tienen  su culminación el año 1984 cuando viviendo en Ciudad México tuve la oportunidad de conocer al poeta y futuro Premio Nobel,  Octavio Paz, al que me acerque, en el entreacto de una lectura de sus poemas, realizada en la librería de Orso Arreola, hijo del autor del Confabulario Personal, con el pretexto de entrevistarlo para la prensa colombiana, consiguiendo que el ya famoso escritor mexicano me invitara a su apartamento del Paseo de la Reforma. Paz, no accedería a realizar la entrevista que le había propuesto inicialmente, pero yo conservé el recuerdo de aquella charla memorable en su residencia para luego pasarla por escrito… y ya de regreso en Colombia, publicarla en los periódicos y magazines más importantes del país. Incluyéndola, en el índice de mi libro  LA DOBLE ESTRELLA: EL SURREALISMO EN IBEROAMERICA. (El Oso Hormiguero Editor. Medellín. 1986)… Donde pueden encontrarla actualmente los lectores interesados en conocer a fondo al poeta mexicano.
Una amistad temprana con Fernando Rendón, “director general” -como a él le gusta que lo llamen- del Festival Internacional de Poesía de Medellín, me llevaría a participar por cinco oportunidades en ese evento cultural organizado a comienzos de la década del ochenta luego de un recital poético exitoso en el Cerro Nutibara de la ciudad. Yo no soy partidario ni adicto a este tipo de celebraciones o encuentros masivos, donde el poeta se confunde a menudo con un actor teatral o un político electorero, pero la precaria situación económica que suele acompañar la vocación poética cuando se ejerce a la intemperie, fuera del marco académico, publicitario  o periodístico, nos lleva a pactar con los gestores culturales  (casi siempre poetas menores o políticos disfrazados de poetas)  coordinadores de estos espectáculos a menudo circenses y faranduleros.  En el caso particular del festival poético de Medellín, la cercanía amistosa, repito, a su director, me permitió insinuarle en algún momento que invitara a dos de los más importantes poetas surrealistas brasileños contemporáneos, Sergio de F. Lima y Claudio Willer, pintor-poeta el primero y ambos destacados ensayistas, poseedores de una vasta erudición como ya no se acostumbra en el medio hispanoamericano actual.                                                                                        
A Claudio Willer  -murió recientemente-  lo entrevisté por encargo de la dirección del festival, pero la entrevista inexplicablemente nunca se editó ni publicó, incidentes por los que pasé a menudo mientras fui cercano a los organizadores de ese festival, modelo de otros espectáculos, parecidos en el resto de América Latina… que siempre se cuidaron de ponerme en entredicho y al margen de sus intereses político económicos.                                                                                                                                        
En el contexto de dicho festival también vale la pena mencionar la presencia de Jean Clarece Lambert.  Destacado crítico de arte, ensayista, poeta y antólogo francés, si no estrictamente surrealista, si muy cercano al movimiento bretoniano; al que ya conocía con anterioridad a su viaje a Medellín, porque tuve el privilegio de contarlo entre los traductores de mi poesía para varias publicaciones surrealistas, como la Tortue-Lievre, publicación canadiense…Y al que también entrevisté, obteniendo el mismo resultado negativo que conseguí en mis anteriores reportajes poéticos realizados para este Festival.                                                                                                                                                                                                
Si Stefan Baciu y Juan Calzadilla –aparte de mis lecturas tempranas de los poetas surrealistas franceses- constituyeron mi “iniciación” en el movimiento surrealista, no puedo dejar de mencionar a dos escritores  contemporáneos que han gravitado de manera privilegiada en mi  vida personal: me refiero al escritor canario Miguel Pérez Corrales, director de la página virtual surrealismo internacional, un poeta, fotógrafo  y ensayista brillante,  de erudición enciclopédica, que desde su residencia en Tenerife, es el guardafaros actual de todas las actividades artísticas y literarias relacionadas con la “aventura de la poesía, la libertad y el amor”.  Miguel ha publicado una veintena de libros, Caleidoscopio Surrealista (La Página Ediciones. Madrid. 2011)  Surrealismo: El Oro del Tiempo (Dos ediciones. La Página Ediciones.  Madrid. 2011 y 2014)   y Fábulas y Mares (La Página Ediciones. Madrid 2013) -que reúne todos sus libros de poesía y prosa poética publicados hasta el momento presente- se destacan por lo monumental de la edición y lo vasto de la información allí reunida, constituyéndose en lectura obligada para todos aquellos que quieran adentrarse en los últimos avatares del surrealismo internacional moderno.                                                                                                                                                            
El otro es el poeta holandés o neerlandés Laurens Vancrevel que desde el portal de su su revista Brumes Blondes  (Alkmaar, 20000-2008) ha mostrado siempre un vivo interés en la poesía surrealista escrita en Latinoamérica y al que debo, en lo personal, la traducción parcial al holandés de mi libro Sol Negro / Zwarte Zon  (Bloemendaal, 2011 ). No conozco lamentablemente   ninguna versión al español de la poesía de Vancrevel, lo que me impide valorarlo como lo amerita, pero lo poco que se conoce en español de su puño y letra pone en evidencia, su vasta cultura y esa mirada siempre transparente o edénica, apartada de todo dogmatismo político, filosófico o religioso, lo que caracteriza por otra parte, a los escritores surrealistas de finales del siglo pasado y comienzos del presente.                                                                                                                                                                                                                    
Una mención obligada merecen dos importantes figuras de la actualidad surrealista, cercanos a mi estos últimos años, y a quienes debo la publicación bilingüe (español / francés) de mi poesía erótico-amorosa, titulada de manera irónica Poemas de Amor Rosa ( Editions Sonámbula, 2011)  me refiero al pintor y editor mexicano Enrique Lechuga quien desde Quebec, Canadá, país en el que se encuentra residenciado desde varios años atrás, ha venido organizando exposiciones y eventos en torno al surrealismo, animando la escena internacional con las publicaciones sonámbula de su propiedad intelectual.                                                                                                                                                      
Y un poeta cubano de impronta surrealista en la línea inaugurada en el país caribeño por  el pintor Jorge Camacho  y el poeta José Álvarez Baragaño, prolongándose más adelante en el exilio europeo y norteamericano ( Miami ) con Josè Antonio Arcocha, Vicente Mejìa y Carlos M. Luis,  me refiero al poeta Fernando Palenzuela, de edad avanzada en la actualidad,  al que le gusta considerarse el único poeta surrealista de su país insular, donde esta corriente, contraria al realismo socialista y al estalinismo político, nunca tuvo arraigo en el pasado ni, era de suponer, en la actualidad cultural cubana.                                                                                                                                                                                                
Yo he dedicado en mi libro La Doble Estrellas algunas líneas consagradas a comentar la importancia de Fernando Palenzuela  y los poetas del Alacrán Azul, que constituyen de cierta manea la contraparte del grupo Orígenes de José Lezama Lima y Cintio Vitier,  de impronta barroca, Aunque  Julio Cortázar,  en  La Vuelta al Día en Ochenta Mundos,  libro donde  destaca la presencia hispanoamericana del  autor de Paradiso  y Oppiano Licario, advierte en su factura poética una pincelada  surrealista…Algo que luego sirve de pretexto   a cierta crítica literaria para hablarnos de un “barroco surrealista” o de un “surrealismo barroco”,  híbrido quimérico, que no se si pueda llegar a  concebirse en algún momento como corriente literaria, o siquiera como figura retórica.                                                                                                                                                                                                                                                            
Pero ya me he alargado en exceso trayendo a colación a todos estos poetas que no solo constituyen mis afinidades personales, sino que desde diferentes países continúan animando la escena moderna. Yo he sido siempre un poeta independiente y solitario, ajeno a grupos o movimientos literarios …sin embargo,  a lo largo de los años no he podido evitar gravitar en torno a esta aventura poética que conjuga en una sola vivencia  la libertad y el amor, para desvelarnos por último, el pasaje a ese punto del espíritu donde “la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, el pasado y el futuro, lo comunicable y lo incomunicable,  lo alto y lo bajo, dejan de ser vistos como contradicciones”, al decir del Segundo Manifiesto del Surrealismo… Aunando poesía y mística,  la letra y el espíritu.

Medellín. Marzo de 2024. 


martes, 11 de abril de 2023

Demian Paredes "Léxico Laiseca", Primer Premio de Ensayo 2022 del Fondo Nacional de las Artes

 

Alberto Laiseca






 



-Relata el autor, "Mi Léxico Laiseca es una obra surgida del deseo de homenajear, en primer lugar como lector, al gran autor-creador del "realismo delirante" y de la novela más extensa de la literatura argentina (Los sorias). Escrito y organizado de la A a la Z, como un "diccionario" (formato utilizado ampliamente ya por Flaubert, llegando hasta Bioy Casares, Blas Matamoro y César Aira, entre muchísimos otros autores), recorre entonces su vida y obra, junto a toda clase de conexiones literarias, intentando conjugar la rigurosidad del "trabajo crítico" (Noé Jitrik dixit) con lo lúdico, y de ahí el subtítulo que le puse: Comentarios bio-bibliográficos (y otros delirios)".

-Dos grandes amigos, el poeta Darío Canton, y el escritor y profesor universitario residente en Chubut, Hernán Bergara, conociendo la existencia del certamen anual del Fondo Nacional de las Artes, me alentaron -cada uno por su lado- a participar, para poner a prueba e intentar dar visibilidad a este libro que, esperemos, pronto deje de ser inédito.


Demian Paredes (1978) es escritor y editor. Sus trabajos de crítica y ensayo fueron publicados en

revistas y libros como Perspectivas regionales, Hispamérica, Zama, Historia crítica de la literatura argentina, y sus entrevistas y trabajos de periodismo cultural en Otra Parte, Escritores del mundo, Letras, Liberarte, La Izquierda Diario, Perfil y el suplemento “Radar libros” del diario Página/12. Fue parte del Instituto del Pensamiento Socialista, que desde Ediciones IPS recuperó y relanzó la obra de León Trotsky y otros pensadores marxistas. Publicó, junto a Noé Jitrik, Siete miradas. Conversaciones sobre literatura (2018).



martes, 3 de enero de 2023

Alejandro Elissagaray: LA POÉTICA MÚLTIPLE DE ESTEBAN MOORE

 





                                                   






Con sabio criterio sostiene Joaquín Giannuzzi que la poética de Esteban Moore “es de particular e intensa significación en el  panorama lírico argentino de los ‘80”. Cabal y paradigmático exponente de esa generación, junto con Luis Benítez; María Rosa Lojo; Néstor Perlongher; Paulina Vinderman; Liliana Ponce; Victor Redondo y Daniel Chirom, entre otros, Moore ha desarrollado un discurso estético que transita un itinerario original que engloba diversas raigambres literarias.
          
        Entre la rebeldía propia del espíritu de la época y la aceptación de la tradición, elige un horizonte impregnado de sutilezas verbales y de significados que abarcan lo uno y lo otro. No resulta, por ello, una tarea sencilla clasificarlo como poeta y como hombre dueño de una cosmovisión singular. Ésta constituye una de sus riquezas cardinales. No hay contradicción alguna, sino una simbiosis de estéticas que desembocan en  un lugar preciso: el de la belleza expresiva, a veces lacónica, sarcástica e ingenua a la vez, coloquial e intelectual y para ese fin recurre a contenidos existenciales y rutinarios, algunos casi farsescos, tratando de describir a la condición humana en sus múltiples facetas.
         Recurre a lo ficcional y descriptivo, con un lirismo que metamorfosea  los textos desde un complejo corpus discursivo que enaltece lo lexical y lo semántico. Sin ser un neobjetivista, no abusa de la subjetividad, no recurre a la exaltación del yo de los románticos, pero tampoco se desprende absolutamente de él. Prefiere la hazaña  del existir, la épica humana, la aventura cotidiana con esa  oculta metafísica que nos arrastra  al suburbio, a través de alquimias mundanas donde el ego aflora como una fracción mínima y no como el protagonista principal de sus textos. La pugna entre lo subjetivo y lo objetivo  configura toda una característica de los poetas independientes de los ‘80, a la que Moore pertenece con los oropeles propios de una generación que instauró la pluralidad de voces y el conflicto respecto del lenguaje.    

         Jorge Monteleone sostiene que “ciertos modos de la poesía argentina de los años ochenta equivalen a miradas de ojos descentrados, fuera de sus órbitas y, asimismo, revelan el intento de hablar otra vez sin olvido en la lengua. Son, digamos, como los nombres escritos debajo de esas fotografías de hombres y mujeres desaparecidos, que han circulado con insistencia junto a la pirámide de Mayo como un anillo frágil de caras. Aquello que la lengua memoriza…”. 1

            Por otro lado, Jacques Derrida postula: ”Lo que trato de pensar es un idioma (y un idioma quiere decir lo propio justamente, lo que es propio)  y una firma en el idioma de la lengua que hace al mismo tiempo la experiencia de la inapropiabilidad de la lengua”. 2 

             Sin lugar a dudas la idealización de Esteban Moore por la lengua es una constante en su decir poético, dotado de extrapolaciones lexicales que fecundan una musicalidad polisémica que nos permite ahondar en un corpus de interpretaciones.

          La  peculariedad de Moore consiste en esa simbiosis original que reúne la herencia  de la beat generation con la propia de nuestra cultura. Leer a nuestro poeta implica penetrar en un vasto territorio donde conviven la insurrección ideológica y lingüística de Lawrence Ferlinghetti, Jack Kerouac o Allen Ginsberg o la de los minimalistas Raymond Carver y Charles Bukovsky con la tradición autóctona de Hidalgo Ascasubi, Carlos Guido Spano, Estanislao del Campo,Rafael Obligado, José Hernández y Domingo Faustino Sarmiento. Pero también la presencia del tango es insoslayable. Moore es un enamorado de la ciudad de Buenos Aires, de la misteriosa y laberíntica urbe, de  Carlos Gardel, los poetas del tango y por supuesto Evaristo Carriego y Jorge Luis Borges .

         El coloquialismo es uno de los rasgos más característicos de la poesía de los '60 que en rigor de verdad se dio no sólo en la Argentina, a través de la voz de César Fernández Moreno, entre otros, sino en casi toda Hispanoamérica y que recibió distintos nombres según la zona, como poesía conversacional o antipoesía de los chilenos Nicanor Parra y Enrique Lihn .Moore, ochentista, lo adopta de un modo sublime, con todo el bagaje existencial que lo caracteriza.

        La Generación Beat  tuvo como representantes a  escritores estadounidenses  de los cincuenta, con todo el fenómeno cultural que implica: el rechazo a los valores clásicos del país norteamericano, el uso de drogas, una gran libertad sexual, el abordaje de la filosofía oriental y el discurso libertario. Su estética contracultural fue absorbida por la cultura de masas y por la clase media  Las principales obras literarias de la  época son Aullido,  de Allen Ginsberg (1956), En el camino, de Jack Kerouac  (1957) y Un Coney Island de la mente, de Lawrence Ferlinghetti (1958).  
                                                                                                                                       
Esta nueva forma de ver las cosas dejó su principal influencia y legado en la posterior contracultura o movimiento hippie. La palabra beat entre la comunidad afroestadounidense tenía el significado previo de cansado, o abatido.La expresión empezó a emplearse de tal modo, que en1959 Kerouac estimó ineludible sugerir otro sentido a  beat, otorgándole su aproximación con beatitud  y beatífico.                               

  Dicho movimiento estaba atraído por la naturaleza de la conciencia orientada a la comprensión del pensamiento oriental  pensamiento oriental, prácticas de meditación, entre otros fenómenos afines. En cambio, Ginsberg sostuvo que podía implicar otro significado afín a completo,  lo umbrío del alma, o, en dirección a la concepción de Walt Whitman, apertura a la humildad.

Otro de los movimientos literarios que sedujeron a Moore fue lo que se consideró realismo sucio en Europa y  minimalismo  en Estados Unidos. Raymond Carver, la gran revelación de la década del ochenta, fue su máximo exponente. A través de la poesía  y con su tono autobiográfico, emociona, conmueve al presentar a hombres y mujeres desvalidos que llevan vidas de silenciosa desesperación. Sus poemas están dotados de un estilo áspero, elíptico, sugerente. También, dentro de esa vertiente, logró fascinarlo Charles Bukowski..

          La intensa lectura de los citados autores de habla inglesa, lengua  con la cual se empezó a conectar en plena infancia, lo llevó a  la traducción de diversos autores: Lawrence Ferlinghetti;  James Laughlin;  Craig Czury;  Charles Bukowsky; Sam Hamill; Jack Kerouac; John F. Deane;  Allen Ginsberg; Raymond Carver  y la antología de la obra poética de Gary Snyder.   

          Ha participado en  importantes festivales de poesía dentro del continente americano. Asimismo  fue invitado en 1990 a la escuela de poesía The Jack Kerouac School of Disembodied Poetics, fundada por Allen Ginsberg, donde inició un proyecto de traducción y en 1994, a la Schüle fur Dichtung in Wien , Viena, Austria, donde expuso  sobre poesía y traducción. Su obra ha sido parcialmente traducida al inglés, italiano, francés, alemán, lituano, portugués y albanés e incluida en diversas antologías.

  Mucho se ha escrito y debatido acerca de la poesía de los ochenta, con todos los riesgos que implicaba  el abordaje de los textos simultáneamente a su producción. Digamos que las tendencias bien definidas se dieron entre los años finales de la última dictadura militar y los comienzos de la restauración democrática por parte de poetas nacidos en los cincuenta o en sus alrededores: neorrománticos, neobarrocos, neoconcretos, neobjetivistas y aquellos que se inscribían en la línea social que llamaríamos representantes del setenta tardío, por un lado, y los independientes, no adscriptos a un grupo o estética en particular, por el otro, entre los cuales Moore configura una de las plumas más fulgurantes y singulares. Época  de una incontenible necesidad  de rebelarse contra la asfixia existencial del proceso autoritario de diversas maneras. Algunos, enmarcados dentro del bagaje de lecturas y estéticas que los albergaron en medio del silencio; otros, más flexibles frente a la historia cultural universal y vernáculas de diferentes afluentes formales. El debate era una constante, pero sin el clima de asidua confrontación de los sesenta.   
                                                                                  
            Jorge Aulicino aduce que el fenómeno ochentista se inscribe “dentro de un espectro que va  desde cierto misticismo del lenguaje hasta posiciones que reivindican para la poesía  una función exploratoria,  pragmática en el mejor sentido, del entorno y del propio instrumento verbal”.   3

  Además de su producción poética y como traductor no podemos dejar de resaltar la magna incursión  de Moore en el ensayo y en la crítica, que reflejan hondura intelectual y erudición. El abordaje de las cuestiones literarias y culturales en general lo posicionan en un terreno de privilegio. Ya  hablaremos de ello más adelante.   
                                                                                                             
  La poética de Moore nos lleva a un proceso de exploración, donde lo conceptual , la ficción, la expresión lírica, el coloquialismo y la épica confraternizan en un corpus de significados múltiples y distante del romanticismo. Nuestro poeta es un auténtico creador  absolutamente preocupado tanto por el contenido como por la forma. Lo estético se apodera de sus textos como un verdadero soporte de un conjunto de temas que oscilan de modo continuo entre un bagaje lexical,  ajeno al hieratismo, con un discurso que suele recurrir a la exhortación a un receptor secreto y una musicalidad que resuena con la magia  del verdadero arte de la palabra. Sin duda nos confirma  lo expuesto en uno de sus poemas:

 
              intención

    preñada la noche
    nos brinda
    para hablarnos  
    el silencio                                                                                                                                                                              

      escuchá
    por favor
    escuchá
    estamos hoy por hoy 
    rehaciendo patria
    tu rostro                                                                                                                                          

  en los pliegues
  de la mano
  solloza patria
       un país oculto

o en un pasaje de otro poema:

vos le echás 
al espiral de la duda
vigoroso candado
pero no todo es así nomá
y te interrogo
al puro estilo de un tango-canción
que seguramente ya fue escrito

        para qué estamos 
        para irnos?


  La no subjetivación del poema, no exenta de cierta metafísica, supone un rechazo a la concepción romántica. Sólo rescata el color local que adoptaron los románticos, pero sin la impronta subjetiva de éstos, el mismo que condujo con el transcurso de los años a la literatura gauchesca que tanto defiende Moore. Lo expuesto demuestra que carece de toda proximidad al objetivismo. No recurre a la exaltación del yo, pero tampoco se encuentra en las antípodas del marco subjetivo. Una lectura detenida y desprejuiciada nos permitirá visualizar una poética que tampoco le declara la guerra al purismo lírico. Es más: cierta dosis de lirismo lo acompaña siempre de modo inequívoco

CRÓNICA

en chile sarmiento arde de cuerpo entero
mientras decide las bondades de unos y otros
en santa ana do livramento con su guitarra josé hernández
entretiene en un despacho de bebidas al gauchaje triste

le nacen allí unos versos que no termina de comprender
quiroga bajo el sol de misiones  redacta una carta
ruega a martínez estrada lo asista en su soledad

lugones en un recreo del tigre
observando las mansas aguas del delta
decide escribir su último verso

y… en buenos aires borges inaugura su ceguera
recorriendo los devastados anaqueles de una biblioteca pública 

Luis Benítez traza dos períodos en la poética de Esteban Moore 4:“En los primeros poemas de Esteban Moore, La Noche en Llamas (1982); Providencia terrenal (1983) y  Con Bogey en Casablancia ( 1987), advertimos el desarrollo paulatino de aquellos elementos que conducen al poeta a establecer un puente entre su interioridad y el entorno virtualizado por su expresión poética”. Veamos en:

MI BUENOS AIRES QUERIDO

en una bella ciudad
del lejano sur del mundo
un niño
con amorosa osadía
se tiene en la hamaca
sus impulsos agitan
la desparramada ceniza de los muertos

en nuestras habitaciones
gobernadas por el cerrojo
la memoria es un muro
que no puede ser derribado

O en:

CON BOGEY EN CASABLANCA

bogey bebe en silencio
el agrio bourbon del olvido
su mirada perdida en la noche africana
oculta las profundas cicatrices del amor

desde la mesa observa al pianista
que sin emoción acaricia en el aire
con manos de brillante caoba                                                                                                                                          
 las teclas de un piano destartalado

en el fondo del salón a media luz
acompañada por una vieja guitarra
la francesita delgada y triste
sostiene el tibio mate de la espera

bogey la mira a través del humo del cigarrillo
para comentar lentamente como sólo él puede hacerlo
con la entonación propia de un reo del abasto
“muchachos… ella algún lo comprenderá…
…carlitos se nos ido para siempre”
    
       Benítez continúa abordando la poética y, al discurrir sobre lo que considera el segundo período de Moore, afirma: “En esas obras iniciales y luego también en “Tiempos que van”, de 1994; “Instantáneas de fin de siglo” y “Partes mínimas y otros poemas”, publicadas en 1999…” Acota Benítez que Moore busca  “apropiarse de los elementos necesarios para enriquecer su decir, no limitándose a aquellas construcciones provenientes de nuestra lengua, sino también pudiendo establecer un nexo de intercambio con las poéticas escritas en otros idiomas que el español”.   
        
       Esta caracterización de Benítez se constata claramente cuando Moore alude al lenguaje, como un leit motiv insoslayable del autor.  Veamos un fragmento del poema  che tartufo  oí:

a este buenos aires que vió mejores días
quieren regresar a través del mar
con el tú a flor de labios desde el mar

…

el vos abraza la vida
tiene su historias su decir y su tono
en estas tierras de señores muy formales
que no saben ni aceptan
     (Tiempos que Van, 1994)

       La permanente indagación del ser ciudadano desde la huella lingüística  y desde la actitud del hablante y habitante urbano contiene una matriz de indudable matriz ontológico. Moore enaltece sus textos al internarnos en universos diferente que no sólo comprenden  el coloquialismo, lo ficcional y descriptivo sino también una magna carga filosófica  y de incursión intelectual, al incorporar paradigmáticos poetas que acunaron su trayectoria  literaria. Esos macrouniversos lexicales y conceptuales configuran las entrañas de su voz, tan singular compleja y dueña  de vastas interpretaciones de connotaciones ciclópeas Nos dice en Ángeles caídos:

 Borracho de alcohol
 y desesperación
 Dylan con sus aullidos estremece la noche
 Vallejo tose en un conventillo parisino
 la noche se extiende en los hemisferios 

       (Instantáneas de Fin de Siglo, 1999)



Todo lo expuesto precedentemente nos habla, a mi juicio, de un proceso de transición a un cambio con alto voltaje lírico que se da en “Partes mínimas”, poemario  fundado en una geografía de rasgos existenciales. Una intensa experiencia en el sur de nuestro país es descripta con una voz más mesurada, más despojada  y a la vez más proclive a un vuelo sensorial a través del lenguaje,  con silencios que monologan en su interior. Así dan cuenta las dos partes en que se estructura el libro. Cada poema, en general  más lacónico, es titulado por pequeños fragmentos de otros poetas que integran el  andamiaje de sus preferencias estéticas. La musicalidad de sus versos hace estas “partes mínimas” un aluvión de máxima belleza expresiva, de puertas que nos conducen a enigmas a descifrar, a descripciones que simulan ser llanas pero que en realidad se ornamentan de magia y encantamiento formal y conceptual.  
         En el poema “La ráfaga del viento de tu lenguaje”, título extraído de Paul Celan, nuestro autor nos canta con sublime energía emotiva:

 el viento que sopla desde el desierto cristalino
 tan blando como un terso cielo –anunciara del
 universo, infinitas desconocidas geometrías /el
 más pequeño de los detalles/ los dominios de
 una agregada luminosidad

La  indagación de lo exterior, de aquello que de un modo esotérico lo definimos como objetivo, en rigor de verdad es mutado por el poeta en una inconsciente subjetivación de su oculto sentir.  El poeta, aparentemente enemistado con la herencia del romanticismo, se halla más próximo en muchos de sus textos a los cabales representantes ingleses de esa escuela literaria, tal vez a John Keats o a Percy Bye Schelley. Precisamente, ello se produce por la naturaleza de compleja poética de Esteban Moore. ¿Por qué hablamos de complejidad?   
        
         La respuesta sería la influencia de diversas tradiciones literarias. No es un escritor de un solo rostro; su valía estética reside en la polifonía. ¿Es solo un representante del coloquialismo urbano, un porteño beat, un lírico que juega con la épica, un autor que trata de escindirse de la subjetividad en aras de la objetividad, pero que en  verdad se desprende en sus versos un elevada subjetividad? 

         Su poética se encuentra diseñada por todo lo mencionado. Esteban Moore es ese enjambre de voces, la pluralidad discursiva, la combinación de lo cotidiano con lo arcano, la sutileza verbal con la sencillez que imanta al lector de un modo mayúsculo, es la influencia de lo nacional con la poesía de habla inglesa. En suma, habría que referirse a un Moore que le canta al mundo, al dolor y a las peripecias mundanas, a la aventura y a la incontenible sensibilidad, con humor, con desenfado, pero también con una dosis de solemnidad e intelectualismo fundado en su sólida erudición. 
                               
Vayamos ahora a un  fragmento de otro poema de “Partes mínimas”

 la luz que creció sobre el mar –desaparecerá del
 otro lado de las montañas –abandonandote—en
 la progresiva oscuridad –en compañía de ruidos
 que construyen bajo  el cielo – ecos murmurantes


Las  imágenes  deslumbrantes fluyen entre bahías sonoras que envuelven las descripciones demarcadas por la polisemia; lo visual adquiere un clima viciado de memorias y lo denotativo y lo connotativo confluyen con el vigor formal que navega en una poética dotada de originalidad, que destierra los lugares comunes y que invoca a un receptor sediento de belleza. Como sostenía el lingüista Roman Jacobson “la belleza es, a decir verdad, el fundamento de la cultura” 5. Moore es un asiduo viajante del vocabulario, al cual lo piensa y lo siente, lo inventa y lo reinventa, lo sumerge en la arena de lo cotidiano o en el relámpago de lo imprevisto. La naturaleza deambula personificada.  
           
          En “El avión negro”, Moore se torna más ficcional, es un narrador que poetiza con la sutileza y el designio de la palabra. Persiste el lirismo de sus construcciones y no evade los recursos expresivos para cabalgar como un jinete exacerbado y dócil a la vez, En uno de los pasajes de uno de los poemas que contiene el libro lo refleja cabalmente. Es una epístola a Marco 

  Marco amigo algún día tiene que visitarnos
  Ud. que ha recorrido el mundo:
  China, Persia, Armenia, Trevisonda
  Ha observado según relata
  el atardecer en el estrecho de Ormuz
  nunca ha caminado las calles
          / de la Reina del Plata

       Con agudeza y exactitud, Jorge Rivelli se refiere a Esteban Moore: “De sus publicaciones podría decir, los dos primeros libros tantean el terreno; tercero, cuarto y quinto, el punto más alto de la vanguardia ochentista;el sexto, el habla porteña, una vuelta de tuerca a todo lo anterior; el séptimo, el punto más alto de su obra. Siete libros que tienen en común una voz inconfundible, por más que cada tanto queme las naves o mezcle y vuelva a dar“6.  

       En “Las Promesas del Día y otros poemas”  Esteban Moore ahonda el rumbo adoptado desde sus inicios, con la madurez expresiva  otorgada por su trayectoria en el género, la osadía de jugar con los signos de puntuación como vehículos de pronunciado andamiaje estético y reflexivo, la permanente exaltación de la ciudad de Buenos Aires recostada en descripciones con aire tanguero. Moore es una suerte de poeta urbano sui generis, un porteño beat  que rastrea la idiosincrasia del ser porteño, que indaga los engranajes visibles y ocultos de la cultura ciudadana y universal, que incorpora la ficción como resorte de sus versos, con una originalidad  estilística indisimulable.   
  
      Sin embargo, del mismo modo en que planteamos las particularidades de su poesía, la dificultad de identificar al yo del texto como sujeto biográfico, en esta poética como manifestación de una objetividad lírica, hay un realismo poético con personajes ciudadanos y de otras latitudes y algunos protagonistas de la cultura que fluyen en la urbe:

Desde un viejo tocadiscos –gastados vinilos
       desgranaban las voces de Julio Trujillo
                                              y Felipe Pirella

Gardel que nunca falta a la cita
cuando se trata de acompañar a un argentino
         /en tierras lejanas
cantó Mi Buenos Aires Querido
       
La pasión ciudadana conlleva tanto el disfrute de caminar por sus calles  como el dolor y la nostalgia cuando nos hallamos lejos del país. Lo ha experimentado en sus viajes al exterior, distante de su amada Buenos Aires, fundamento de su vida y a la que supo penetrar en sus entrañas.                                                                                        

       Entre las páginas de Las promesas del día y otros poemas aflora también el universo sentimental, de matriz casi erótica, que subyuga por su magnético lirismo y sensualidad:

  En esa mesa frente al ventanal Ella una belleza
     madura en calculado meneo gira lentamente su
     cuerpo sobre la silla y desenvuelta con la distinción
     que la caracteriza cruza galana sus piernas La liviana
     aérea plasticidad con con que Ella lo hace pone en
     escena la sutileza de una gacela el contenido ímpetu
     de las panteras…

En el pasaje de otro poema de “Las promesas del día y otros poemas”, confluye la sensualidad con la descripción fulminante de una atracción salvajemente pasional. Como en la “Divina Comedia”, cita los tres estadios descriptos por Dante Alighieri, tal vez arrojándose al abismo contemplativo de otra Beatrice, esta vez pergeñada por Moore:

      Esa mujer es un infierno el purgatorio y el paraíso terrenal
      Amazona altiva irreverente doncella que soberbia pasea
      con gracia y calculada displicencia el don de su belleza
      por las calles de la ciudad

En su límpido decir poético el autor esboza un discurso que no excluye, además de los ya mencionados, los grandes temas universales como la soledad, el amor, la esencia, el amor y la posibilidad de aprehender el conocimiento y la existencia. Pero su buceo filosófico no se ajusta a especulaciones intelectuales, sino de un lenguaje coloquial sentencioso, afirmaciones, interrogantes y dudas de índole cartesiana.  
   
          Una aproximación al marco ficcional de sus poemas nos permite visualizar los mismos ejes  temáticos primordiales de su cosmovisión. La vitalidad de su voz reside en esa sutil obsesión por dar a luz los laberintos humanos y deriva en una especie de aullido contenido, a diferencia de Ginsberg, que reúne lo pensado, lo sentido y lo imaginado.    
          
           Correlativamente, el sujeto se encuentra oculto entre las descripciones y las ficciones. Moore no es romántico ni objetivista. Su realismo lírico juega con lo aparencial desdibujado. Existe  una mirada que privilegia el  marco  contextual desideologizado. Hay también un péndulo que  gira entre lo ciudadano, beat y minimalista. Oscila entre la sobriedad y el desborde lexical fulgurante. 
       También palpita su entrañable condición de hombre libre. Una libertad creativa y vivencial. La libertad es la sustancia de su producción, de su existencia. También es su espacio interno y externo. Friedrich Hölderlin aducía: “Pleno de mérito, más poéticamente habita/ el hombre sobre esta tierra”. Seguramente Esteban Moore asuma como propia esa afirmación sentenciosa del  romántico alemán. Hay una geografía que lo acompaña y lo tensiona. Esa tensión hace que cada poema configure un acto virtuoso.  
                                                                                                                          
  La cotidianeidad arroja al hombre a la alienación, pero en el  yo poético de Moore, su identificación con los principios humanísticos emergen socavando la desesperanza; de ningún modo puede pensarse que el sujeto del poeta se enardezca narrando acontecimientos apocalípticos, si bien no deja de ser consciente del caos reinante en el mundo.

       En  muchas ocasiones se vuelve didáctico y promueve un enlace  con el determinismo del lenguaje  y con las alusiones culturales. El encandilamiento y la apelación frente al vocabulario y figuras de la poesía universal. El poeta no intenta transformarse en un demiurgo de las letras, y para ello  convierte las palabras  en un instrumento para describir la totalidad humana. Unas veces, a través del laconismo y otras, de cierta extensión limitada y dotada de un decir pleno de significación.   

       Otra forma de efectuar una exégesis de Moore se vincula con lo atinente al marco conceptual. Es un poeta que no deja de cabalgar en la naturaleza del ser y en lo incognoscible  de la existencia combinado con una realidad padeciente. La existencia, aquello que Martin Heidegger llamaba dasein imprime otros elementos. El ser y el no ser de las cosas nos plantea mediante un abordaje ontológico  que el poeta jamás elude. Es más: podríamos manifestar que toda su poética radica en lo esencial de las cosas, el porvenir humano, la incertidumbre, la duda. 

         Es un auténtico explorador de Buenos Aires, un exornador de sus calles, un alquimista de los misterios urbanos. Es un poeta de profundidades que tiene una agudísima percepción del alma urbana, un metafísico del lenguaje y de la geografía, un inquisidor de la belleza. Estamos hablando de un creador incesante que hace del género una suerte de sacerdocio.       

        La exuberancia y la verdadera luz de la palabra poética configura un acto iniciático hacia la verbalización del porqué de los contenidos tratados. Su aparente sencillez discursiva nos traslada a un bosque de símbolos, un damero donde se elevan la oscuridad y la luminosidad ocultas en un coloquialismo metafísico. El cincel de su voz poética, la piedra basal de la musicalidad de sus textos se afincan en versos breves o extensos que se dirigen a una cadena de unión de la humanidad.                                       

Moore es un humanista genuino .La dinámica de sus construcciones permite conducirnos a una pluralidad de preocupaciones existenciales, que lo desgarran, que perforan su ubicación en la tierra. Hay un conjunto de alegorías que manifiestan el norte de sus fines estéticos y conceptuales, una indagación permanente.                                     

        Distante del surrealismo y del automatismo psíquico, al igual que André Breton, fundador de esa escuela literaria, coincide con el citado en que “únicamente la palabra libertad tiene el poder de exaltarme” 7 .En Moore, esa libertad navega en la isla de lo enigmático o de la incertidumbre, Habita la bahía de la imaginación, pero no está exenta de pensamientos concretos. Se sumerge, además, en las contradicciones de la realidad traumática en que nos introdujo el período comprendido entre el fin del siglo XX y estas dos décadas tormentosas del siglo XXI, con sus ecos umbrosos   que testimonian la crisis de valores.  
         En Esteban Moore pervive la reflexión sobre un planeta y, dentro de él, nuestro país, ajeno a la Verdad y a la idea del Bien como se desprende en el mito de la caverna platónica. Pero, claro, tampoco la solución parte de ideas absolutas, ya que todo, en definitiva, es relativo, lo cual no implica que nos sumerjamos en la hipocresía o en la negación de principios éticos:

AL VIENTO, EN EL VIENTO

En el viento huracanado
el polvo del universo
átomos protones neutrones negativos electrones
     --innominadas partículas
que ha su paso liberan fuerzas
           ensayando
golpes curvos -centrípetos--centrífugos
ulos gimientes -pequeños remolinos
fuerzas sin control
     /desatada arrolladora potencia

Hasta ahora abordamos exclusivamente su obra poética porque el autor que nos ocupa  ha tenido su norte literario en la poesía. Pero su labor ensayística  ha sido relevante en lo atinente a la defensa  de nuestra fecunda tradición, como en la difusión de los autores contemporáneos. Abarca su “Lectura y apropiaciones” (2012)  y  “Reunión de extraños: Borges, Buenos Aires, El café, Jack Kerouac y otras cuestiones”. Además cuenta en su haber con la colaboración en el “Primer Catálogo de Revistas Culturales de la Argentina” 8 ; en ‘De la ranchería a la ciudad moderna’ en Argentina 1810-2010 9: Bicentenario y en “Independencia e Integración e Nacional  (1816-2016) Dos siglos de búsquedas”  10 

        El tono reflexivo, alejado de ampulosidades,  conduce al Moore ensayista  a sostener con rigor y agudeza:

“Si debemos atenernos a un orden cronológico, es indudable
que los poetas y escritores de la Independencia hicieron su
aparición en nuestro panorama cultural a partir de las Invasiones
Inglesas. En noviembre de 1807, luego de la derrota de
las fuerzas británicas comandadas por el teniente general John
Whitelocke, Vicente López y Planes que en aquella ocasión,
como capitán del Regimiento de Patricios había empuñado la
espada en defensa de la ciudad, escribió El triunfo argentino,
que subtituló “Poema heroico”. En este texto (que lleva un epígrafe
del autor de La Eneida y fue dedicado a Santiago Liniers
y Bremond, gobernador y capitán general de las Provincias del
Río de la Plata), el autor celebra la gesta y valor de las tropas
porteñas y su composición:                                                      

Buenos Aires os muestra allí sus hijos:
allí está el labrador, allí el letrado,
el comerciante, el artesano, el niño,
el moreno y el pardo; aquestos solo
ese ejército forman tan lúcido.
Todo es obra, Señor, de un sacro fuego,
que del trémulo anciano al parvulillo
corriendo en torno vuestro pueblo todo
lo ha en ejército heroico convertido.
(Fragmento)”

La pasión por la palabra, su devoción por la investigación de la cultura lo ha entregado  también al ensayo. Su profundidad indagatoria de los protagonistas que él considera ineludibles. En ese marco aparece  especialmente  Jorge Luis Borges. Pero también suma a otras relevantes figuras de nuestras letras  como Alberto Girri; H.A. Murena; María Granata; Horacio Salas; Jorge Rivelli y Arturo Álvarez Sosa.      

         En el contexto de la literatura extranjera  ocupan un lugar fundamental, especialmente, Allen Ginsberg, Jack Kerouac y Lawrence Ferlinghetti. A esa lista agrega a  Gregory Corso; Declan Kiberd; Craig Czury; Sam Hamill; Charles Bukowski; Raymond Carver y Anne Waldman.                                                                                 
         El abordaje de los autores mencionados que efectúa  en sus ensayos entusiasma por su didáctica y claridad conceptual. El carácter informativo es un aspecto esencial en la medida en que bucea en el ser de la tradición literaria, que según Moore “debiera ser concebida como un prolongado proceso dialogal en el cual participan un conjunto de voces, propias y ajenas, las que a través de la lectura y la traducción, actividades que constituyen un indudable acto de interpretación y apropiación, se amalgaman en una voz posterior, adquiriendo en la fusión nuevo sentido”  11.       

          Sin duda, su producción  poética lo introduce claramente como un autor insoslayable. El juicio final que hará la historia de la literatura señalará la originalidad, la polifonía  y la trascendencia de su discurrir lírico.    
          Esta breve investigación no sólo ha pretendido inmiscuirse en los inframundos del poeta, sino también situarlo en un contexto complejo en todos los sentidos, entre los finales agónicos de la última dictadura militar y la restauración democrática iniciada por el expresidente Raúl Ricardo Alfonsín.   

       Con todos  sus resplandores y oscuridades, esa nueva instancia nos ha permitido reinsertarnos en el mundo, transitar un período de libertad, menor dogmatismo, flexibilización del análisis crítico y diversas estéticas, algunas de ellas concentradas en un grupo poético determinado y otras, la mayoría poseída por características independientes  en el nivel estético y por lo tanto ajeno a los encasillamientos.    
                     
         La obra de Moore, como ya hemos dicho, se incluye en este último tramo. La irrupción de la denominada posmodernidad aporta muchísimo a ese fenómeno de la más abierta independencia  además de la ruptura con los arbitrarios esquemas de los sesenta. Observamos en su poética  y exploraciones intelectuales una especie de síntesis entre lo  urbano y aquello que  proviene de otras latitudes. Mediante ello, el aporte que realiza  nos obliga a repensar el destino cultural y el compromiso jamás impuesto del escritor con la lengua propia y ajena, con un contexto de mutaciones constantes en lo social e histórico y una sensibilidad de carácter humanístico.      
 
 -Monteleone,Jorge: “Una mirada corroída.Sobre la poesía argentina de los años ochenta. Culturas del Río de la Plata(1973-1995). Transgresión e intercambio”.Roland Spiller(ed.), Frankfurt, Lateimamerika-Studien 36,Universitat Erlangen-Nurnberg, Vervuert Verlag, 1997.
2- Derrida, Jacques: entrevista con Evelyn Grossman. Esta entrevista fue publicada en la edición que el mensuario Europe consagró a Paul Celan (año 79, n.º 861-862/enero-febrero 2001). Traducción de Ricardo Ibarlucía  publicada en Diario de Poesía (número 58, 2001). Edición digital de Derrida en Castellano.
3- Aulicino, Jorge: “Cuáles son las preocupaciones de los jóvenes”;Buenos Aires;Diario Clarín; 1981.
4- Luis Benitez, Partes Minimas 12: dos movimientos en la poética de Estebn Moore, Hispanic Poetry Review, Vol 9.1, Texas A & M University, EEUU, 2011.
5-  Jacobson, Roman: “Lingüística y poética”;Estilo del lenguaje; Madrid; Cátedra; 1974 
6-Rivelli, Jorge:”Esteban Moore. Selección poética”; Ciudad Autónoma de Buenos Aires ;La Porteña;Colección Acento Urbano; 2019.
/- Breton, André:”Manifiesto del surrealismo”; Guadarrama; Madrid; España;1969.
8-  Moore Esteban: Ediciones Revista Cultura, auspiciado por la Secretaría de Cultura de la Nación y la Federación de Revistas  Iberoamericanas, Buenos Aires, enero 2001.
9-  Moore, Esteban: Secretaría de Cultura, Presidencia de la Nación, Buenos Aires, 2010.
10- Moore, Esteban:“Independencia e Integración e Nacional  (1816-2016) Dos siglos de búsquedas”; Ciudad Autónoma de Buenos Aires; Fundación Banco Ciudad; 2016.
11-  Moore, Esteban: Lectura y apropiaciones, Alción, 2012.


Alejandro Elissagaray (Ciudad Autónoma de Buenos Aires, 1954) Escritor, docente y periodista. Ha

publicado los poemarios "Poemas ígneos" (1976;" La piel de la hoguera" (1979) y "Simulacros" (2017); la novela "Koronavirus" (2021); el ensayo "Los Universos de Castelpoggi" (1997);las antologías "Luis Benítez" (2001) y "Los poetas del'80" (2002);los libros de conversaciones con escritores argentinos "Itinerarios" (Conversaciones con Luis Benítez, tomos 1 y 2, respectivamente 1995 y 1997, con ensayos preliminares de Pamela Nader); "Diálogos con Atilio Jorge Castelpoggi (2001, con ensayo epilogal de Pamela Nader);"Intramundos. Conversaciones con Elizabeth Azcona Cranwell" (2004) y en colaboración con Silvia Beatriz Amarante" Intersticios. Conversaciones con Jorge Aulicino" (2010) y "Así pasan los años. Conversaciones con Roberto Alifano" (2017).Sus textos han sido seleccionados en la edición bilingüe "Antologia de la Poesía Argentina", traducida por Emilio Coco y compilada por Silvia Beatriz Amarante. Ha dirigido la revista cultural Nueva Generación de 1995 a 1999. Ha colaborado, entre otras, en las revistas Ulises; Generación '83; La República; Nueva Sion; El Frontón; Locas;Proa; Prueba de galera; Soles; La escuela paso a paso y Reloj de agua y en los diarios La Prensa y El Tiempo (Azul) Entre otras distinciones ha obtenido el Tercer Premio de Poesía 1995 de la Fundación Inca y la Mención de Honor de la Sociedad Argentina de Escritores (SADE), esta última en conjunto con Silvia Beatriz Amarante.